RAJ & DK: MAXIMUM GUYS

Vi segnalo un lungo articolo di Uday Bhatia dedicato al mitico duo di registi Raj Nidimoru e Krishna DK: Raj & DK: Maximum guys, Mint, 11 marzo 2023. Di seguito un estratto:

'Theirs is a comedy rooted in the everyday, born of miscalculations, coincidences and overreaches, but it’s also practical, a consequence of navigating the obstacle course of daily life in India. (...) Their new Amazon Prime series Farzi (...) [is] a ridiculously entertaining series. (...) Farzi had been rattling about in Raj & DK’s heads since the early 2010s. They had planned it as a film, even pitched it to Shahid Kapoor. Had it happened then, it would have been seen as the directors of 99 taking another shot at a caper film, this time with a star. But it never panned out, so they moved on to other projects. “We write a lot, a lot of ideas drop off,” Nidimoru says. “Farzi never dropped off.” (...) The show pulls together strands from across Raj & DK’s career: the madcap underdog energy of 99; the gritty but lovingly realised Mumbai of Shor In The City; the surreal slapstick of Go Goa Gone (2013); the procedural momentum of their wildly popular Amazon Prime series The Family Man. It also marks 20 years of the duo as film-makers; their first feature, the no-budget Flavors, which screened back in 2003. (...)

When I visited their office in Andheri, Mumbai, the walls were covered with post-its: a season broken down, episode-wise, into key scenes. This was for the Indian offshoot of Citadel, an upcoming Amazon franchise produced by the Russo brothers, which will have a US flagship series followed by spin-offs in India, Italy and Mexico. There’s the prospect of further seasons of The Family Man and Farzi, to say nothing of sequels to the other shows they are debuting. Right now, they are, to flip a phrase from The Family Man, Indian streaming’s maximum guys.

Raj & DK’s career was always building up to this moment. They have never been typical Bollywood directors. They are a bit too self-aware. They don’t do masala. They waited till their fourth Hindi feature before including a lip-synced musical number in the main body of the film. All their films have had music (Sachin-Jigar have been a constant) but you never get the sense (...) that the bottom would fall out if you removed the songs. No wonder they have taken so well to streaming. (...)

Their screenplays are written first in English, dialogue and all. Longtime writing partner Sita Menon then does a Hindi version. Then, because neither Raj, DK nor Menon have a writer’s command over Hindi, they bring in someone to punch up the lines. It has been this way since 99 and they still work like this. “For a long time, we were ribbed - these people who write in English and make Hindi films,” Menon says. But just because they don’t supply all the words themselves doesn’t mean they can’t tell when they have the goods. Since they already have dialogue in English, they don’t need top Bollywood writers, just someone with a quick mind who isn’t opposed to doing translations (this might explain why their work sounds unlike most mainstream Hindi film writing). (...)

On the low-budget Shor In The City, they skipped dialogue writers and took a cheaper, if more chaotic, route. “We were calling cousins and friends and asking them, how would you say this line?” Nidimoru recalls. (...)

Unlike, say, Vishal Bhardwaj or Anurag Kashyap, who draw as much from older Indian films as they do from foreign cinema, Raj & DK’s reference points skew towards Hollywood. (...) The tributes in Go Goa Gone are to foreign zombie films, not the Ramsays. (...)

They started out watching homegrown films, though, DK in Chittoor, Nidimoru in Tirupati - both in Andhra Pradesh. They met in Tirupati’s Sri Venkateswara University as engineering students and continued their film-going, “tripling” on Nidimoru’s bike (an image reproduced in Shor In The City) to go see Telugu and Tamil releases and the occasional Hindi or English film. They also started teaming up for quizzes and charades. “By third year, we were a famous team,” DK says. “We could read each other’s minds.” Both moved to the US after college. They kept in touch, and fell in love with American film.

Over the next few years, without much of a plan, they started fooling around with cinema. They had no formal training, so they would “reverse-engineer” films, breaking down the ones they liked until they understood why they worked. The timing was fortuitous, the tail of the indie boom in the US coinciding with the rise of digital shooting. “You could buy a camera, buy a computer, and shoot a film, edit a film, all on your own,” DK says. “And we were watching all these independent directors making films with no money. That was the boost we needed.” They lived in different states, so they would drive down on the weekends to prep and shoot. After a couple of shorts, they embarked on their first full-length feature. Flavors, an English-language film, was a loosely connected series of vignettes featuring a range of Indian-American characters. (...) In an interview around the time of Flavors’ release, they said they were planning “a new kind of Bollywood movie”.

Full of hope, Raj & DK quit their software jobs in the US and moved to Mumbai, where they wrote a version of what would become their first Hindi film, 99. They tried, unsuccessfully, to get it to Aamir Khan. No doors opened. They went back to the US, where they refined 99 and another script, a gritty urban drama with intersecting stories. It was the latter that yielded their first representative work: a short film called Shor (2008). (...) It was their first work written with Sita Menon. She would go on to co-write all their projects apart from Stree [sceneggiatura di Raj & DK, regia di Amar Kaushik] and The Family Man.

“Flavors was our film school,” DK says. “With Shor, it was like, okay, we know how to make this.” The short became a calling card. Actors Kunal Khemu and Soha Ali Khan loved it, which led to them signing up for 99. (...)

These were some of the Hindi releases in 2009: Dev. D, Rocket Singh: Salesman Of The Year, Gulaal, Luck By Chance, Sankat City, Wake Up Sid, Kaminey. Clearly, there were anarchic spirits coursing through the industry then, a lot of them comic. It was the perfect time for Raj & DK to drop their first Hindi film. Almost immediately, they turned their attention to the original vision from which Shor had emerged - what they were now calling Shor In The City. (...)

With their reputation growing, Raj & DK could have chosen to go full Bollywood. Instead, they opted to make a stoner zombie action comedy. (...) This was largely uncharted territory: Zombies didn’t feature in Hindi cinema outside cheesy Ramsay brothers productions. (...) One of the executives they pitched the film to told them later : “We thought you were mental.” Go Goa Gone was mental-funny and hyperviolent. (...) As with 99, it wasn’t so much that the jokes were brilliant (...) but that there were so many of them that it didn’t matter if a few flopped. (...)

Just when everything was going so well, the wheels came off. First there was Happy Ending. (...) Raj, DK and Menon described it variously as an “anti-romcom”, “very meta”, and a comedy about romantic tropes. But the film, set in an impersonal Los Angeles and California, was neither sufficiently satirical nor subversive in the way it was envisioned. A Gentleman, set largely in Miami, followed: their first all-out action film. For once, the actors felt out of sync with Raj & DK’s style. (...) “It was a big studio film,” Menon says. “Many people had their points of view on it. We tried to cater to all of those and the film suffered.” The action sequences held the promise of things to come but mostly it seemed that in upscaling, Raj & DK had misplaced what made them special.

“That control we had was being lost as we got into a bigger circle,” Nidimoru says. “So we decided, on Stree, we will go back to producing ourselves. Let’s make it out of our pockets and release it. It was back to the Shor In The City model.” They were planning to direct it but Amazon came calling. Once The Family Man became a reality, they knew they had to pass the reins on Stree. Amar Kaushik, first assistant director on Go Goa Gone, took over; Raj & DK stayed on as writer-producers. This unequivocally feminist horror-comedy about an avenging female ghost was a sleeper hit in 2018; made on a budget of about ₹24 crore, it grossed over ₹170 crore. Its success kicked off the modern Hindi horror-comedy cycle - though one could argue that started with Go Goa Gone. (...)

I ask if they reverse-engineered for TV too, the way they had done for film. “Yeah, new beast,” DK says. “In a tiny one-room office, every wall was covered with these notes because we had to figure out how to write a frickin’ series,” Nidimoru adds, pointing to post-its on the wall. They are not sure how they arrived at it but they came up with a five-act structure for each episode and a three-act structure for the series. Here was a chance to write, write, write, create a tapestry of characters and plots in a manner that a film just wouldn’t allow. The initial feedback was positive but a little confused. Why was their gritty spy series also a comedy and a family drama? They fretted over suggestions to trim the family stuff, but eventually decided to leave it as it was. (...)

One of the exciting things about The Family Man’s first season was discovering, episode by episode, just how capable Raj & DK were as action directors. They settled on a complicated but rewarding signature: extended sequences shot in one take. The 13-minute hospital breakout in the sixth episode is the most celebrated, but there’s a dynamic single-take shootout in the first episode itself. (...)

For Raj & DK, the show was the start of something new, and not only because it was long-form storytelling. It was the first time they were directing something not written by Menon (Suman Kumar was co-writer). It was also their first brush with politically charged material. Most spy narratives skew towards order and conservatism, and, on balance, The Family Man does too. (...) Yet, there is also doubt and complexity seeded along the way. (...)

Though “pan-India cinema” has been touted as a silver bullet for the theatrical experience, streaming offers a more genuine - and achievable - vision of pan-India film-making. Its viewers are more likely to watch something with subtitles. And they are more likely to have watched films or series in languages they don’t speak. Raj & DK, Telugu-speakers both, have been particularly committed to pan-India casting. (...) The Family Man is full of actors who work across the southern film industries. (...) Samantha Ruth Prabhu as rebel soldier Raji in season 2 wasn’t just a casting coup but a signal that streaming TV was no longer something mainstream actors in the prime of the career wouldn’t consider.

The second season of The Family Man also allowed actors to speak their own language; a lot of the dialogue is in Tamil. The makers even weave the cultural divide into the story. (...)

Da destra: Krishna DK, Suman Kumar, Raj Nidimoru e Sita R. Menon

Other borders beckon. If Citadel is a success, Hollywood could be on the cards. But there’s also a genuine concern of being stretched thin. Whether they can juggle two ongoing shows, three forthcoming ones, their production work, and whatever plans they have for the future remains to be seen. Perhaps they will build a B-team of co-directors like they have done with writers. (...)

In all this, they can count on the partnership of Menon, and each other. Though DK is more technical and Nidimoru more involved with the actors, they are, by all accounts, uncannily in sync. (...) DK jokes that sometimes Nidimoru would walk onto set and say, “What have you done, you have changed the entire shot!” But though they often split production duties, they always shoot together. They seem to seek out, and encourage, actors with a bent for improvisation. (...)

Twenty years on, Raj & DK have built a neat little filmography. Six features directed, three others produced, two series. Comedies all, yet spanning city films, stoner films, capers, family dramas, procedurals, action, horror, romance. All distinctly, visibly theirs, even the clunkers. Watching them in one go, I could see more clearly the motifs and cross-currents: double lives, fraying marriages, cursed phones, frantic runs, fancy parties that regular folks can’t get into. The considerable visual appeal of their work notwithstanding, theirs is a writer’s filmography. “We are really, really happy to be writers,” Nidimoru says. “Writing for us is half the directing”.'

SHYAM RAMSAY: PEOPLE SAY THE GHOSTS IN MY FILMS WERE NOT SCARY

[Archivio]

Il 18 settembre 2022 saranno tre anni da quando il follemente unico Shyam Ramsay ha lasciato milioni di orfani fra gli appassionati di horror/B-movie. Shyam era uno dei membri del gremito clan familiare Ramsay - più che un cognome, un marchio - di produttori, registi e tecnici. Vorrei ricordarlo proponendovi alcune dichiarazioni rilasciate da Shyam a Patcy N., pubblicate da Rediff il 13 marzo 2014. Shyam Ramsay: People say the ghosts in my films were not scary:

'Early days

My father F.U. Ramsay and his family came to Mumbai from Pakistan after Partition. He financed a film called Shaheed-E-Azam Bhagat Singh in 1954. The film did well, and he wanted to make more films. (...) In Prithviraj Kapoor-starrer Ek Nannhi Munni Ladki Thi (1970), all the Ramsay brothers, including me, assisted. I was 22 then. In a robbery scene in the film, Prithviraj Kapoor steals an antique from a museum. He uses a face mask to disguise himself. The mask was imported. It was so horrifying that the film’s publicity was based entirely on this one mask. Posters of the mask were made and published everywhere. Before that, nobody had seen a horrifying face on the big screen. People went to the theatre just to see Prithviraj Kapoor in that scary mask. That’s when we thought that if audiences love to watch such scary faces, why not make a full-fledged horror film? I directed India’s first horror film, Do Gaz Zameen Ke Neeche (1972). After that, we made approximately 32 films, and all of them were horror films.

Getting into direction

Ever since I was a kid, I liked to be by myself. I would go deep into the jungles, see ruins, roam the valleys, and gaze at stars from the terrace. I would sit and think what is life? What happens when we die? This mystery fascinates me even today. As a kid, I saw a neighbour who was possessed. I did not understand why that person’s behaviour was abnormal. I would be intrigued by all these things. I thought that if all these things are moulded into a film, it would be fun. I started watching Hollywood films like Evil Dead, The Exorcist, and Omen. These films inspired me to make Do Gaz Zameen Ke Neeche. When I told my father that I want to direct, he was very happy. He had always told us to do what we loved to do. We never trained in any field. All my brothers worked with me and that film was successful. We had understood the pulse of the audience. When a film worked, we made a similar film; when it did not work, we would analyse why it did not work. I started making hit films like Darwaza, Purana Mandir, Hotel, Saboot, Veerana. These films did big business for us.

Why his films flopped

I faced no problems making my first film. But with success, you get criticism too. You can also get overconfident. So I made mistakes as well. I made a film called Andhera (1975). It was a very well made film, and ahead of its time. It was based on the Hollywood film Boston Strangler. In my film, a killer loses both his limbs and he starts killing with his artificial limbs. The police don’t suspect him because he has no hands. The audience was not prepared for that. If the film was made today, it would do good business because now people understand robots. Another film, Guest House, also flopped. In the film, four men cut a person’s hand and the amputated hand murders people. There was no ghost, just a creepy hand that keeps killing people. This movie was not accepted at all. People in small centres still want to watch horror films that have witches and feet turned backwards; in fact people in B and C centres still believe in such things.

About the Ramsay brothers

We are seven brothers. Gangu Ramsay is the cameraman. Tulsi Ramsay also likes to direct so we initially directed together. Tulsiji’s son Deepak Ramsay has been my assistant for years. Kumar Ramsay writes the screenplays. Keshu Ramsay passed away recently. He didn’t make horror films, he loved making action films. He made movies with Akshay Kumar mostly, like the Khiladi series. Arjun Ramsay has always been involved in editing. Kiran Ramsay is involved in all the production matters and song designing. My daughter Sasha is my right hand. She has been assisting me for the past eight years. She’s the associate director on Neighbours. She has helped me with the script and editing. We will soon launch her as a director. We brothers still work together. The youngsters have now grown up and have joined the family business of making horror films. We never have arguments because the captain of the ship is the director and it is his vision. My brothers cooperate and give me what I want. I have always taken suggestions from them. There are no differences; in fact, before I say it, they understand what I want to say.

Veerana

Technical defects

People criticise me saying that the ghosts in my films sometimes wore canvas shoes and were not scary. That is true. In those days, we were not technically sound. Films were made on a very low budget, so if there was a small defect, we would let it pass, and audiences often didn’t catch those defects. Audiences today are more sensible, and they look for defects. I want to make films like Hollywood does, and try out different themes like possessed people, zombies, vampires, monsters, creatures... but my stories will always be Indian so audiences will identify with them.

The role of sex in horror films

Sex is a very important factor in horror films. The main intention of horror films is to scare people. Most Hindi horror films run for two-and-a-half hours. If we continuously scare people for two-and-a-half hours, it will be an overdose of horror. So we always see to it that after a little bit of horror we give relief to the audience by adding comedy, songs and bit of glamour too. In order to have lighter moments in the film, I always have some sex scenes. It is important to present it in a neat and clean way or else it will look downmarket. If you watch any of my old films, you will see that they had sex angles but very neatly presented, and people have appreciated it too.

The reason for gap in making horror films

In the early 1990s we started doing television shows. We made the first horror series, The Zee Horror Show, Anhonee and Nagin. I made films in between like Dhund - The Fog which starred (...) Prem Chopra, Gulshan Grover and Irrfan Khan, and Ghutan. I attempted comedy in Bachao. I don’t take big actors because I have an established banner. I am selling Neighbours entirely on our name. All the publicity material has the tagline ‘Ramsay horror is back’. My surname is more than enough to sell a film. But in future, we will have corporate involvement and bigger stars.

Why we made Neighbours

In the last two years, I have been observing the kind of horror films that are doing good. I realised that some filmmakers have just re-hashed the 32 films that I have made. They have copied the successful Ramsay formula and upgraded it with good music, star cast and promotions. Vikram Bhatt’s Raaz was a super-duper hit, but if you see it carefully, it has all the masala of a Ramsay film. Vikram Bhatt’s presentation was very good, his music was also great, and a big advantage for the film was that a horror film was made after a huge gap. I thought all these kinds of films the Ramsays have done long back. I wanted to attempt something new. I was inspired by the Twilight series and their theme of vampires.

Neighbours

About Neighbours

Nobody has sincerely attempted to make a Hindi film on vampires, so I decided to make it. In Neighbours, the heroine’s neighbours are vampires. The heroine loves watching horror films and reading horror novels. One night, she hears noises in the neighbouring house and comes to know that her neighbours are vampires and suck human blood. We have tried to use today’s technology in the film because the film is for today’s youngsters. We did not want gory-looking people, just good-looking people, so when they change into vampires, I have used graphics. I haven’t used vampire make-up, everything is digitally done. My old films required graveyards, jungles and purani haveli (ruins). The vampire is a modern theme in India. The film is set in a city. My budget in the old days was very little because the returns were small. My most expensive movies never crossed Rs 50 lakh. The same movie, if I have to do it today with a fresh star cast and good music and graphics, as in Neighbours, would cost me Rs 3 crore. But I am sure I will recover it because now films are shown in multiplexes too.

His upcoming horror movies

Ram Gopal Varma is my good friend and well-wisher. He liked my Do Gaz Zameen Ke Neeche and has told me that I should remake it. I like his suggestion. We are planning something on those lines. I loved Ramuji’s Bhoot with Urmila. I am planning to remake of Veerana as Veerana 2. Sasha will be launched in Veerana 2. Another film that I am making is Roohani - that’s a tentative title'.

STRANIMONDI 2022

L'evento Stranimondi si svolgerà a Milano, presso la Casa dei Giochi, dall'8 al 9 ottobre 2022. Fra gli ospiti, segnalo Priya Sharma, scrittrice britannica di origine indiana. Nel comunicato ufficiale si legge: 'Priya Sharma, scrittrice britannica di speculative fiction, è tra le più promettenti voci del panorama weird e fantastico contemporaneo. (...) È salita alla ribalta con l’antologia All the Fabulous Beasts (2018) e il romanzo breve Ormeshadow, entrambe le opere vincitrici dello Shirley Jackson Award e del British Fantasy Award e di prossima pubblicazione in Italia. Le sue storie esplorano temi come la diversità, la ricerca d’identità, la sopravvivenza, il concetto di “mostruosità”, e la sua poetica è spesso riconducibile al realismo magico. (...) Sue storie sono state tradotte in spagnolo, francese, ceco, polacco e italiano. A Stranimondi verrà presentata in anteprima l’edizione italiana di Ormeshadow (Edizioni Hypnos)'. 

Il sito di Priya Sharma riporta il comunicato stampa di Edizioni Hypnos: 

'Ormeshadow di Priya Sharma in arrivo a ottobre! Siamo felici di annunciare l’uscita di Ormeshadow, di Priya Sharma, tra le punte di diamante della nuova generazione del weird inglese. (...) Ormeshadow, opera vincitrice dello Shirley Jackson Award 2019 e del British Fantasy Award 2020, è una toccante storia di formazione, tra atmosfere oscure e messaggi di speranza, che presenta per la prima volta al pubblico italiano il talento di Priya Sharma. Ormeshadow sarà presentato in anteprima a Stranimondi 2022 mentre l’uscita ufficiale è prevista per il 13 ottobre 2022 nella collana Visioni, con traduzione di Elena Furlan.

Sinossi

Inghilterra. Età vittoriana. La vita del giovane Gideon Baltam ruota attorno alla famiglia e ai duri ritmi della fattoria di Ormesleep nella località di Ormeshadow, luogo intriso di miti e leggende: Orme, un drago sepolto e addormentato, pervaso da sogni di risentimento, di gelosia, di morte, si prepara al risveglio. O così almeno dicono le leggende.

My huge thanks to Edizioni Hypnos and Stranimondi - I am VERY excited to be attending the launch in Milan in October 2022. This book was originally published (...) in 2019'.

Vi riporto uno stralcio dell'intervista concessa da Priya Sharma a Tina Pavlik, pubblicata da Horror Writers Association il 7 maggio 2022. Asian heritage in horror: interview with Priya Sharma:

'Do you make a conscious effort to include Asian Diaspora characters and themes in your writing and if so, what do you want to portray?

I find this question difficult as I don't fit into a box easily. I come from a mixed heritage background (Indian/a quarter English) and grew up in the UK. We were one of two Asian families in our town and the other didn't speak to us. To this day I'm still not sure why that was. As a result of her Anglo-Indian upbringing my mum faced racism from both Indian and English people. I felt that very keenly and I think this has had an impact on how I see the world and how I write. My parents wanted me to fit in, which manifested itself in several ways. They gave me the very anglicised nickname of Pippa and didn't teach me Hindi. I feel very divorced from my Indian heritage and this reflects in my writing. I am neither one thing or another. I fear writing more traditional Asian Diaspora characters as I am scared of getting this wrong and causing offense. Or doing it badly and reaping scorn. The one time I did this was writing about an Indian man in a story called The Englishman. It's about my dad returning to India after over twenty years of living in England. I could do that with confidence as I took that trip with him.

What has writing horror taught you about the world and yourself?

Horror is everywhere, in the fabric of the everyday. Some people don't want to face what makes them afraid or uneasy, but I'd rather look at it face on. The unknown is always worse than the known. It's taken me a long time to realise why I like horror and it's only through writing it that I understand why. When I write about the painful things in my life, I find horror and the fantastic an easier way of processing them. The reality of suffering is truly terrible. It's real-life dramas about terrible events or experiences that I struggle to watch or read about. I find them easier to consider when cloaked in the fantastic and horrific than when looked directly. It abstracts them. There's also a lot of hope and redemption in horror, much more than people think. (...)

How do you feel the Asian community has been represented thus far in the genre and what hopes do you have for representation in the genre going forward?

If you're talking about representation in western markets I never really saw Asian characters in the books available to me when I was growing up, except as someone strange/exotic/disposable/mystic. Their being Asian was their single defining characteristic. I think/hope that's changing and they are moving to the centre of the stage as fully fleshed-out characters.

Who are some of your favourite Asian characters in horror?

Cyrah from "The Devourers" by Indrapamit Das. She experiences some horrific things but is a survivor. I loved how her journey ended. The other is the protagonist of Vikram Paralker's "Night Theatre" - a surgeon who is visited by the dead. It's not billed as horror but there are some elements of horror there. He is a flawed man who is just doing the best he can with what he has.

Who are some Asian Diaspora horror authors you recommend our audience check out?

I'm adding writers here that write fantasy/magical realism, dystopian fiction also: Isabel Yap, Indrapramit Das, Usman Malik, Vikram Paralker, Salman Rushdie, Rena Mason, Lee Murray, Chitra Banerjee Divakaruni, Kazuo Ishiguro, Mimi Mondal, Nadia Bulkin, Alma Katsu, V.H. Leslie. I can't resist including non-genre writer Jhumpa Lahiri for her short stories, which are a masterclass in the form'.

Aggiornamento del 29 marzo 2024 - Priya Sharma scrive nel suo sito: 'Ho avuto la fortuna di essere ospite a Stranimondi a Milano nel 2022 in occasione della pubblicazione della mia novella, Ormeshadow (Hypnos Edizioni). È stata un’esperienza emozionante: sono rimasta colpita dal loro amore per la narrativa di genere e da quanto tutti siano stati calorosi e accoglienti. Che persone fantastiche'. 

KANTI SHAH: MY FILMS ARE NOT PORN FILMS

Kanti Shah e Sapna Tanveer

[Archivio]

Curiosare nel mondo sommerso delle produzioni hindi di serie B e C è sempre una delizia. Il regista Kanti Shah ne è il sultano indiscusso, grazie ad una sterminata filmografia che spazia dall'horror, all'azione, al softcore, alla parodia di pellicole di successo. Kanti Shah è ormai assurto allo status di cineasta di culto, al punto che, ad esempio, qualche fotogramma tratto da Angoor - uno dei suoi lavori più famosi - è stato incluso nel magnifico Udaan. Di seguito riporto l'intervista concessa da Kanti Shah a Sonil Dedhia, pubblicata da Rediff il 25 luglio 2012. My films are not porn films:

'Often celebrated for the 'they-are-so-bad-that-they-are-good' phenomenon, Kanti Shah's films have created a cult of their own and the filmmaker, popularly known as the king of C grade films, knows it. In fact, when I asked him about the success of Gunda, he proudly proclaimed, "Gunda's rating on IMDB (Internet Movie Database) is 7.6 which is higher than Shah Rukh Khan's Ra.One (4.5), Vidya Balan's The Dirty Picture (6.9), Ranbir Kapoor's Rockstar (7.3) and many other superstar films. This is the inheritance of Gunda." (...) Shah seldom speaks to the media. It was after pursuing for two and half month the director finally agreed to give an interview. (...)

People know you for your films but not much is known about your background.

I grew up in a middle class family. I stayed in Juhu with my parents and my brother and sister. I studied till FYJC [First Year Junior College] only. I didn't like studies so I left it. My parents were very angry and told me to start working so I started working as a car mechanic, which lasted for six months. Then I started buying pillow covers and handkerchiefs from Ulhasnagar and sold them outside Santa Cruz station. I did this for a year. After a while a friend (...) hired me as his production assistant. This was somewhere in the year 1979, and since then there was no looking back.

Your films are categorised as C grade films. Does that bother you?

I don't feel bad when people call my films C grade films. Even if I fight for it my film is not going to become an A grade film. I believe all films are the same. I know I have an audience that enjoys the kind of films I make. The perception of the industry is very wrong. They feel low budget films with non starrers are all B grade or C grade films. The industry and audiences think that just because a film is publicised a lot on television and in newspapers, the film is A grade.

According to you, which category do your films fall in?

I think all my films are A grade. I am saying this because all my films have worked. The fact that so many journalists want to come and take my interviews means that people want to know me and read me.

Your films often have eroticism and sex. Did you always want to make these kinds of films?

I can say my thoughts are my inspiration. I always thought of making action based films. I have made sex based films but these films are all the actions of my thoughts. When you ask me why I make films that have temptation scenes, it is because my producers who invested in me need to earn something. The distributors also need money to survive and at the end of the day, everyone in the industry has to make money. No one does any charity work.

Darwaza

Were watching erotic films a part of your movie viewing while you were growing up?

Yes, I used to see erotic films, which were mostly made in the South and Hollywood. I liked them. The way it was shot and the storyline would engage me. I believe men and women are the same when it comes to watching erotic material and getting aroused. I am sure everyone has seen a porn film at least once in their life.

Did you always want to be a filmmaker?

I never thought of getting into films. It just happened. It was a natural progression. I had to struggle a lot to reach where I am today. I had a burning desire to work hard. I have always given my 100 per cent to whatever I do. I could learn things very easily.

Most of your films have a lot of sex and temptation scenes. Do you think they are necessary for a film?

Yes, I think it is necessary. There are times when Salman Khan or Akshay Kumar's films don't work.

Just recently Housefull 2 released. There is nothing in the film that makes anyone laugh. Still, it worked. The film had a huge star cast and there are beach and resort scenes in the film, which have purposely been added because all the actresses are shown wearing skimpy clothes and bikinis and this is what people want to see. Look at the way actresses are shown in Raj Kapoor's films like Satyam Shivam Sundaram, Mera Naam Joker or Ram Teri Ganga Maili. This is because we have to take the masses into consideration.

Your films have also been called pornographic.

(Laughs) My films are not porn films. I don't know why people call them that. I agree there are some seducing scenes and erotic scenes but that doesn't count as a porn film.

But the sex content in your films is very much visible.

Sex content is there in my films and I proudly say it. Today I don't think there is any film that doesn't have sex content. When I started making films 20 years back I was the only one who made these films and they all worked. They still work. I didn't have Amitabh Bachchan to sell my films. (...)

So you are saying that if you don't have a big actor just add some sex content and the movie will work?

Yes, and I think a lot of people would agree. Why do you think the makers of Bigg Boss roped in porn star Sunny Leone? She was not portraying herself as a saint. She was there to get the viewers' attention with her sex appeal. Today, most magazines sell because they have actresses posing in bikinis on the cover. I don't understand the relevance of actresses in short dresses or bikinis selling tea or deodorants in advertisements. At least my films make sense. Today, every filmmaker gives preference to girls over boys when it comes to giving a break in films.

Do you also give more chances to girls over boys in you films?

Yes, I also give it. I will agree that girls have got more breaks in my films than guys. I am not gay and it is a natural progression to get attracted towards women. 

What convinced you that the films you were making were working for you?

My first film Maar Dhaad was with Mandakini, (...) in 1988. It was an out-and-out action film and did well. After that I made some films with Dharmendra which also worked. People have a misconception that I only make sex-based films. I have made more than 50 horror films and more than 40 action films.  

A lot of critics have found Gunda to be the worst film ever made.

These critics are all educated people but still don't understand what the audience wants in a film. These people will appreciate a film like The Dirty Picture but if I make a seductive film they will find it crap. I make movies that have all the basic ingredients that people would like to see in a film. Gunda is not about a hero, it is all about the villains. There are so many villains in the film. I don't make films just for the sake of making them. The characters in my films have a metaphor.

But your dialogues have lots of expletives.

No, they are all double-meaning words and I am not the only director who openly says that I am doing it. Last year we had a song, Bhaag D.K. Bose from the film Delhi Belly. Everyone knows what the song meant but Aamir Khan was acting as if he didn't know the meaning of it. The way a word is said makes a lot of difference. My dialogues are similar. They are purposely twisted. My films have been a standout because of the dialogues.

How has the multiplex culture affected your films?

I am badly affected by multiplexes. My films cater to single screen cinema. Earlier, when there were single screen cinemas I could reach a wider audience because I could release the film in a lot of theatres. I don't think anyone will spend Rs 300 to watch my films. I target the people who want to watch entertaining cinema. I can't say that I can cater to multiplex audiences because they would not like to see my films.

Your films don't have a big market in big cities, so where do you recover the cost of your films? How much money is required to make a film?

The budget depends entirely on the cast and the location. On an average, it can be anywhere between Rs 70 lakh [1 lakh = 100.000) to Rs 1.5 crore [1 crore = 10.000.000]. Currently I am making a film called Kaatil Ishq, which has a budget of Rs 70 lakh. Most of the recovery happens from small towns in the North. The films also do well in the interiors of Rajasthan and Madhya Pradesh. Also, I recover some amount from DVD sales and some films also make it to overseas. Most of the time, I make double the amount that I invest in making the film.

Your wife Sapna Tanveer has been the leading lady in all your films. Does it not look odd to cast her in such roles?

Even Salman Khan works in his brother's films. Shah Rukh Khan only works with Yash Chopra and Karan Johar. Aamir Khan is making films for himself. Acting is my wife's passion and if I will not cast her, she will go out and work with other filmmakers. Rather than working outside it is better that she works in my films. She also helps me with other things in my films. She does a fantastic job. I don't think I should be ashamed of casting her in any of my films.

When and how did you meet her?

I met her right outside my office in Andheri. She wanted to become an actress. My film Loha had released in 1997 when she met me. I made Gunda after Loha and that is when I decided to cast her. Slowly and steadily I cast her in all my films and we started liking each other. We stayed together for seven years and we got married in 2004.

Did the thought of making films with A-list actors never cross your mind?

I have around 10-15 films with Dharmendra, 10 films with Mithun Chakraborty. I have also worked with Govinda and Manisha Koirala. Actors today demand high fees. I don't think any producer is ready to put so much money in my films. Making a film is not difficult as anyone can do it. Understand one thing: I am not a Yash Chopra who has made an empire and is working with big superstars. Look at Sanjay Leela Bhansali. He made Saawariya and Guzaarish, which were so expensive, and both the films bombed at the box office. Now he is sitting at home. Subhash Ghai also made so many hit films but now, after giving four flops in a row, he has stopped making films.

But then these people started from scratch and have made some blockbuster films.

If I think a lot then I would not be sitting here and giving an interview. Subhash Ghai wanted to become an actor and ended up directing films. There are so many people who are still struggling for the last 10-15 years. I believe fate also has a big role to play. Ramesh Sippy, who made one of India's biggest films, Sholay, has not directed a film for almost 20 years now. Look at how the careers of people like Prakash Mehra and Manmohan Desai ended.

Are you still in touch with Dharmendra and Mithun Chakraborty?

Yes, I am, but not on a regular basis'.

LA VERSIONE DI BOLLYWOOD

Vi segnalo un succulento articolo dedicato ai remake hindi di film internazionali: La versione di Bollywood, di Andrea Lanza, pubblicato da Il Manifesto il 15 gennaio 2022. Di seguito riporto un estratto:

'Vedere un film fatto a Bollywood è un’esperienza sensoriale e visiva non indifferente, al pari di una scorpacciata di dolci coloratissimi e gustosi, da Mille e una notte. Il cinema indiano made in Mumbai è famoso in tutto il mondo per i suoi eccessi, unico in quel mix roboante di musica, balletti e trame più disparate. (...) A Bollywood scorre a fiumi il ritmo, e tutto, anche un amplesso esagitato, ha la stessa movenza di un ballo. Pazzo, senza dubbio, scriteriato, anche, ma sicuramente delizioso con possibilità di dipendenza.

Bollywood, fusione di Bombay e Hollywood, è un’industria cinematografica che macina ogni anno film su film. Nasce ufficialmente il 3 maggio 1913, quando uscì nelle sale indiane Raja Harishchandra, un film muto basato sulla vita leggendaria di re Harishchandra e diretto da Dadasaheb Phalke. Da lì fu una strada in salita verso un linguaggio sempre più particolare, irripetibile nella storia del cinema mondiale, esportato in tutto il mondo ma difficilmente imitabile. Segno distintivo dei film bollywoodiani sono le ambientazioni colorate, la trama drammatica e i protagonisti che si corteggiano cantando. Sono famosi anche per le elaborate coreografie, ispirate sia ai musical hollywoodiani degli anni Trenta, Quaranta e Cinquanta, sia alle danze indiane. In India si vendono oltre 3 miliardi di biglietti all’anno: non sorprende che le star del cinema indiano vengano adorate come divinità. (...)

Caratteristica delle produzioni di questa industria è il pastiche di umori locali con una voglia di raccontare internazionale, un’esigenza che non poteva non creare dei remake di successi (ma anche di film non famosi) esteri. Vi è piaciuto Tutti pazzi per Mary? Beh, a Bollywood ne esiste una versione musicale! Questo perché anche i rifacimenti indiani hanno tutti quella strana voglia di ballare. Ne abbiamo trovati di bizzarri, inaspettati, la maggior parte pellicole che in Italia, purtroppo o per fortuna, non sono mai arrivate, ma che racchiudono all’interno canzoni, colori e coreografie così scatenate da far impallidire il Moulin Rouge di Baz Luhrmann. Col dubbio (lecito): e se fossero migliori degli originali?

L’INIZIO

Il primo remake made in Bollywood di un’opera straniera arriva nel 1966: Kohraa ossia Rebecca, la prima moglie. (...) Questo thriller, ovviamente musicale, di Biren Nag non è per niente male. La storia, tratta da un romanzo di Daphne du Maurier, è fondamentalmente la stessa: una donna fresca di matrimonio scopre che il fantasma della prima moglie di suo marito infesta ancora la loro casa. A rendere Kohraa un buon remake ci pensa un’ottima fotografia, un’atmosfera molto cupa e minacciosa, e un gruppo di attori convincenti, tra i quali spicca Lalita Pawar, nel ruolo di una sinistra governante. Le canzoni sono abbastanza gratuite, soprattutto per un pubblico occidentale non abituato al repentino passaggio tra parti cantate e musicate, specialmente per un genere asciutto come quello thriller. Se ci si fa l’abitudine però il risultato ha un certo fascino weird. Il produttore di questo film, Hemant Kumar ha composto tutti i brani musicali, tra i quali Ye Nayan Dare Dare e Raah Bani Khud Manzil. (...) A spiccare per atmosfera, un misto tra musica dolce e raccapricciante, è Jhoom Jhoom Dhalti Raat, cantata da Lata Mangeshkar, litania che riemerge nelle parti più angosciose della pellicola, quelle che vede la bella Waheeda Rehman aggirarsi tra le stanze del maniero mentre la nebbia (da qui il titolo Kohraa) sale e il fantasma della prima moglie emerge da essa, mai ripresa integralmente come in un gotico di Mario Bava o Roger Corman. A leggere i commenti su Internet sembra che questa canzone sia molto amata dai fan indiani («C’è una ragione molto reale per cui queste melodie inquietanti sono state cantate esclusivamente da Lata. È l’unica voce talmente bella da darti i brividi!», «Una delle canzoni più inquietanti, che ascolto quasi quotidianamente da circa 50 anni», «È terrorizzante»). Rebecca, la prima moglie vanta molti rifacimenti, più ispirati a Hitchcock che al libro di Daphne du Maurier, ma uno dei migliori, quello con più atmosfera, a un passo dall’horror, è senza dubbio questa pellicola di Biren Nag, un gioiello tra i remake di Bollywood.

DIECI ANNI

Per aspettare di vedere un altro remake bisogna attendere più di dieci anni quando nel 1977 esce Inkaar, rifacimento di un capolavoro anni Sessanta di Akira Kurosawa, Anatomia di un rapimento. (...) Siamo in campo noir, la regia di Raj N. Sippy, alla sua prima prova, è più attenta al ritmo che alla tecnica, rozza ma comunque efficace. Inkaar vive di colori, vivaci e da fumetto, e di una certa brillantezza sia nelle scene d’azione che nei momenti musicali, tra i quali il migliore, e il più celebre, è il pezzo di danza all’interno di un bar malfamato. È lì che brilla, con vestiti degni di un caleidoscopio, gonna e camicia che lasciano libero il ventre perfetto, la ballerina Helen, (...) capace di ammaliare i peggiori criminali sulle note della hit O Mungada Mungada cantata da Usha Mangeshkar. Le sue movenze sexy e armoniche culminano nel momento che vede la danzatrice in mezzo ai malviventi, ancheggiando spavalda, con in mano una bottiglia che versa addosso ai suoi avventori. 

Da lì è una sequela di remake, non ufficiali, quasi da contrabbando, contraddistinti sempre da un grande ritmo nel confezionare le immagini che rende molte volte questi pachidermi cinematografici, dalla durata sempre superiore alle due ore, cugini dei videoclip.

MODELLO ITALIA

In meno di 25 anni, lanciati verso il nuovo millennio, i rifacimenti di film esteri sono tanti e vari, alcuni incredibilmente di pellicole minori anche italiane. È il caso di Ladies Hostel, oscuro remake, anche in patria, di Aenigma del nostro Lucio Fulci, horror del 1987 girato a Sarajevo dal piccolo budget ma dalle grandi idee. Questa pellicola, filmata con una precisione alla Gus Van Sant di riproposizione fedele dell’originale, scena per scena, arriva tre anni dopo, e su siti come Imdb, la bibbia virtuale per cinefili, se ne conoscono pochi dettagli: la scheda è lacunosa e senza nessuna recensione. A girarlo è Ramesh Kumar, alla sua prima e, sembra, unica prova, surclassando i nudi presenti nel film originale e tagliando la sua scena clou, un assalto di lumache voraci sul corpo svestito di una giovane e sfortunata studentessa. La trama è la stessa: una ragazza, vittima di uno scherzo crudele delle compagne di scuola, finisce in coma, ma con i suoi poteri si vendicherà del sopruso. Ramesh Kumar si rivela un buon esecutore, ripete i virtuosismi del maestro italiano, e, come tradizione indiana vuole, conferisce alla storia un ritmo che il modello, lento e meditativo, non aveva. La scena migliore mostra, con un montaggio concitato, simile stavolta a un altro Fulci, Murderock, gli occhi spalancati della protagonista mentre le compagne di scuola si lanciano, mani in alto e scaldamuscoli alla Flashdance, in una danza scatenata davanti al professore di ginnastica. Musica elettronica, luci stroboscopiche, melodie che intervallano il tipico motivo arabeggiante dei canti di Bollywood, rendono questo segmento, inedito e azzardato, la parte più coinvolgente di un’opera che meriterebbe una riscoperta e una dignità che l’oblio non gli ha dato. Tre sono le canzoni, scritte da Brij Bihari e cantate con energia da Kavita Krishnamurthi: Husn Ka Yeh Mela, Chandani Raat e Dil Hai Mera Ghayal, tutte molto efficaci e orecchiabili.

OPERA INFINITA

Ladies Hostel però non sarà il primo remake di un film di Lucio Fulci: nel 1991, un anno dopo Ladies Hostel, viene girato 100 Days, opera più fortunata della precedente, e rielaborazione di un thriller del regista romano, Sette note in nero del 1977. La storia vede una giovane donna, Devi (Madhuri Dixit, regina del cinema indiano), alle prese con una serie di premonizioni riguardanti un caso di omicidio. Se il film originale è un piccolo capolavoro, lo stesso è 100 Days, un’opera dalla durata infinita (ben 141 minuti), intervallata da buonissime canzoni, ma con un’atmosfera assolutamente originale, debitrice dei cromatismi del Dario Argento di Suspiria. Gli attori sono tutti eccellenti, c’è grande alchimia tra la bellissima Madhuri Dixit e il suo partner Jackie Shroff, e la regia di Partho Ghosh è stilosa, avvincente, grintosa nei momenti onirici e macabri, come una grande scena d’azione ambientata in una discarica. Le musiche sono firmate da Vijay Patil (Sun Beliya, Gabbar Singh Yeh Kehkar Gaya, Le Le Dil De De Dil, Pyar Tera Pyar, Tana Dere Na Tana Na De, Sun Sun Sun Dilruba) e cantate in gran parte da Lata Mangeshkar e S.P. Balasubrahmanyam che doppiano i protagonisti durante le canzoni. I balli sono strepitosi, ricordano le coreografie di Patricia Birch per Grease: movimentate, spiritose e con un grande senso del ritmo. 100 Days vive due anime, una orrorifica, l’altra più buffa, ma incredibilmente riesce ad amalgamare perfettamente questa discrasia in un prodotto perfetto e unico, tanto che lo stesso Lucio Fulci sembra fosse orgoglioso di questo remake.

VIA I NUDI

Fino al 2001, sugli schermi indiani, si intensificano le risposte non ufficiali di Bollywood ai successi stranieri: vengono rifatti, tra i molti altri, Sette spose per sette fratelli, Non guardarmi: non ti sento, La mano sulla culla, La guardia del corpo, Com’è difficile farsi ammazzare, Mrs. Doubtfire, Il matrimonio del mio migliore amico e Léon.

Tra questi, tutti di buonissima fattura e grande creatività, spicca Pehla Nasha, risposta azzardata a un capolavoro postmoderno come Omicidio a luci rosse di Brian De Palma. Rifarlo migliore sarebbe stato impossibile, un po’ come capitò per Rebecca, la prima moglie, ma l’opera di Ashutosh Gowariker è così briosa e piena di ritmo da risultare convincente. Ovviamente Pehla Nasha è edulcorato rispetto all’opera originale: abbiamo sì un protagonista guardone, (...) ma via gli accenni all’industria pornografica e soprattutto via i nudi che resero celebre Melanie Griffith, qui sostituita dalla più morigerata Raveena Tandon, attrice indiana di rara bellezza. Tutte le canzoni sono scritte dal paroliere Anand Bakshi e musicate dal duo Neeraj Vora & Uttank Vora: sei brani (Mr. Zero Ban Gaya Hero, Aaj Raat Bas Mein, Tu Hai Haseena, Main Hoon Deewana, Sun Ke Yeh Fariyad Main Aa Gayi Hoon, Nadiya Kinare Dil Yeh Pukare e Pyar Ki Raat), tutti abbastanza disimpegnati ma molto orecchiabili.

NUOVI APPROCCI

Bollywood, come visto, è un’industria fiorente: tanti i film originali ma tanti, e di successo, anche i remake. Dal 2001 però il modo di approcciarsi ai film stranieri cambia: per la maggior parte delle volte si smette di plagiare, ma si pagano proprio i diritti alle case produttrici, con la conseguenza che, a differenza di un Judwaa che clona Twin Dragons con Jackie Chan, ora si parla proprio di rifacimenti ufficiali. Il problema della non originalità di molte opere indiane era stato smentito negli anni anche davanti all’evidenza: Pyaar To Hona Hi Tha, evidente rip-off di French Kiss con Meg Ryan, vanta da parte dei suoi autori una presunta originalità. Il problema però, per assurdo, è che, liberi dall’accusa di plagio, i nuovi remake di Bollywood sono più spenti, meno creativi, a volte risultando soltanto una mera copia musicale di film occidentali. Anche il livello di follia dei vari balletti è meno marcato così come molte delle musiche risultano poco esaltanti, già sentite e figlie di un effimero gusto modaiolo degli spettatori più giovani.

Il film che più di ogni altro risente di questa inversione creativa è il mastodontico Ek Ajnabee, pellicola del 2005 che «remakizza» ufficialmente Man on Fire di Tony Scott di un anno precedente. Le cose si fanno stavolta alla luce del sole: la conferenza stampa si tiene a New York con la crew e il cast alla presenza di celebrità internazionali del pari di Naomi Campbell, Matthew Broderick e Sarah Jessica Parker. Non più ispirato a, ma la versione indiana di, una sottile differenza che regala sì dignità all’industria di Bollywood, non più relegata alla nomea di mercatino delle pulci cinematografico, ma che dall’altra ammazza la creatività, forse per paura di tradire il modello non avendo più la necessità di un trasformismo gaglioffo. Ne deriva che Ek Ajnabee è un ottimo film, girato molto bene da Apoorva Lakhia che fa suo anche lo stile schizofrenico di Tony Scott. Senza dubbio siamo davanti a un action dal sapore internazionale, interpretato da un efficace Amitabh Bachchan, gelido e fragile come Denzel Washington nel film originale. Il problema è che stavolta non è una pellicola derivata con fantasia da un’altra, è proprio Man on Fire, stessi dialoghi, stesse situazioni con l’aggiunta di balletti meno gratuiti del solito. La musica spazza dall’hip hop indiano all’elettronica da discoteca, tutto molto modaiolo ma meno brillante della colonna originale che spaziava dai Nine Inch Nails a Chopin. Ek Ajnabee è un film stranamente più corto, meno violento e con un finale nuovo, forse la parte migliore, con un combattimento concitato tra Amitabh Bachchan e il rapitore della sua figlioccia, che presuppone un happy end al posto dell’amaro epilogo della pellicola di Scott.

Giunge spontaneo però, a questo punto, chiedersi: a che cosa serve vedere una pellicola di Bollywood se ripropone pedissequamente lo stesso schema del modello estero? Quello che rendeva grandi pellicole come 100 Days o Inkaar era appunto il riuscire a ribaltare le aspettative: la storia era quella che si conosceva ma poi regista e sceneggiatore svirgolavano in sottotrame inaspettate e in balletti stupefacenti. (...) Quella meravigliosa età dell’oro del cinema indiano, dal 1966 al 2001, che ha conquistato fan di tutto il mondo con quell’alchimia magica tra suoni, musica e storie conosciute, stravolte ma adorabili.

Questo però non ha fermato l’industria di Bollywood che, in questi ultimi anni, ha cannibalizzato cult movie del pari de Il padrino, Harry Potter o Le iene, sempre con l’idea distorta di essere carta carbone musicale dei film originali con però la maglia della censura indiana che non permette baci tra gli attori, solo strusciamenti. Esemplare il caso di Mast con Aftab Shivdasani e Urmila Matondkar, flop clamoroso in India, che vorrebbe rifare Notting Hill ma senza effusioni romantiche tra i suoi protagonisti. Non sono più successi eclatanti questi rip-off, tanto che, proprio in questo periodo, si sono notevolmente assottigliati di numero, non solo causa Covid. Tra il 2021 e 2022, usciranno appena due titoli: Looop Lapeta, remake di Lola corre, (...) già rifatto nel 2003 con Ek Din 24 Ghante, (...) e l’atteso Laal Singh Chaddha di Advait Chandan ovverosia Forrest Gump in versione Bollywood'.

MOSTRA DEL CINEMA DI VENEZIA 2018

[Archivio] 

La 75esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia si è svolta dal 29 agosto all'8 settembre 2018. Soni, diretto dall'esordiente Ivan Ayr e interpretato da Geetika Vidya Ohlyan e Saloni Batra, era in concorso nella sezione Orizzonti. Ma a generare meritatamente un grosso clamore fra i critici italiani è stato il sorprendente e acclamatissimo Tumbbad, film horror (avete letto bene) d'apertura - fuori concorso - della sezione parallela Settimana Internazionale della Critica. Tumbbad è diretto dagli esordienti Rahi Anil Barve e Adesh Prasad, e interpretato da Sohum Shah. 

RASSEGNA STAMPA/VIDEO (aggiornata al 6 agosto 2020)

- Recensione di Tumbbad, Gabriele Niola, BadTaste, 30 agosto 2018:

'Tumbbad è molto di più di quel che pensa di essere. Storia horror dalle striature fiabesche, (...) modifica la struttura delle fiabe per adattarla bene al cinema tenendone ferma la natura morale. Soprattutto Tumbbad crea. Crea mostri, crea mitologie (a partire da quelle esistenti), prende luoghi esistenti e gli crea intorno una nuova realtà modificandoli senza toccarli e non ha bisogno mai di ripetere una cosa due volte (ad esempio basterà un’inquadratura fugace per capire che fine abbia fatto la donna di servizio scacciata a metà film, aprendo squarci immensi su ciò che non ci è stato raccontato). In un mondo rassegnato alla pioggia, (...) Tumbbad fa bella mostra della qualità migliore per un fantasy/horror, ovvero la capacità di immaginare e creare la propria mitologia con maschere, trucchi, luci e soprattutto luoghi, luoghi veri con demoni nel loro ventre (letteralmente). (...) Con la tenacia del cinema d’azione asiatico, la prestanza di quello occidentale e un fascino che è solo suo, Sohum Shah è l’eroe di cui questo film ha bisogno: bastardo, furbo, cinico e duro. Mai convenzionale come quelli cui siamo abituati, mai davvero positivo, eppure animato da una qualità eroica indubbia, maschera benissimo il progressivo svuotarsi del suo personaggio, sempre meno padrone della sua vita e delle sue decisioni, vittima di qualsiasi vizio'.

Saloni Batra e Ivan Ayr

- Recensione di Tumbbad, Raffaele Meale, Quinlan, 30 agosto 2018:

'Sorprendente opera prima che si muove nel terreno del fantastico e dell’orrore per narrare la tensione antisociale di un’intera nazione (e del mondo intero). (...) Il riferimento a Gandhi, in un’opera che si articola attraverso tre passaggi storici (il 1918, il 1933 e il 1947) acquista un valore prettamente politico, ispessendo la trama in un continuo campo/controcampo ideale tra la finzione scenica, dove si parla senza alcun timore di demoni, di dee e di tesori maledetti, e la realtà. La storia del primo Novecento indiano, che in modo così forte e netto ha segnato il destino del subcontinente anche nei decenni a seguire, passa sotterranea ma non invisibile in Tumbbad, è parte integrante del sogno di potere e di conquista del suo protagonista, avido fin dalla primissima infanzia e destinato a seguire senza posa l’odore delle monete d’oro anno dopo anno, decennio dopo decennio. Il primo dettaglio che salta immediatamente agli occhi durante la visione del film è la volontà da parte dei due registi di lavorare senza tentennamenti sul genere: Tumbbad è un fantasy visionario, che scivola ben presto dalle parti dell’horror e da lì non si discosta. È un film che parla di leggende della tradizione popolare e le mette in scena come se fossero parte integrante di una società vessata - l’India è ancora sotto il giogo britannico - ma vessatoria a sua volta. Barve e Prasad hanno il coraggio di far coincidere fin dall’incipit lo sguardo dello spettatore con quello di Vinayak. (...) Vinayak non è un eroe. (...) Eppure lo sguardo dello spettatore è sempre con Vinayak, che esclusa la prima sequenza (...) è perennemente in scena. Una scelta (...) che dona al film un’aura tenebrosa: non c’è luce alla fine del tunnel, perché se da un lato agiscono i demoni dall’altro il mondo tangibile è ancor più mostruoso e ferale. Lo è perché dominato da regole inumane, classiste, in cui solo chi ha accesso al denaro può conservare una vita dignitosa. Sono due le costanti in Tumbbad. La prima è l’onnipresenza di Vinayak, e la seconda è quella di una pioggia incessante, fitta e che non sembra poter avere mai una fine. (...) La pioggia è lì da sempre. Cade, e continua a cadere, scalfendo il territorio e costringendo gli uomini e le donne a un supplizio ulteriore. (...) C’è dunque una profonda vena pessimista che si muove nel corpo del film: non esiste reale speranza, e le classi meno abbienti sono destinate a rimanere tali. Si può progredire socialmente solo con l’inganno, con l’omicidio, guidati da una rapacità che è l’unica vera madre. Non il ventre della dea, non un rapporto familiare che è solo l’infinita replica di uno schema mostruoso: la maledizione si trasmette di nonna in nipote, di padre in figlio. È la maledizione di una famiglia, ma anche di uno Stato, di una società, di un intero mondo dominato dal profitto. All’interno di un meccanismo popolare che funziona alla perfezione, e che intrattiene tenendo con il fiato sospeso gli spettatori - l’ultima discesa nel ventre della dea ha un potere visionario che lascia abbagliati, grazie anche alla bella fotografia (...) che si muove tra il livido blu grigiastro della pioggia e il rosso sangue del ventre - Rahi Anil Barve e Adesh Prasad condensano anche una riflessione tutt’altro che banale o semplice sulla natura umana e sull’India. Chapeu'. 

Da sinistra: Rahi Anil Barve, Sohum Shah e Adesh Prasad

- Recensione di Tumbbad, Carlo Valeri, Sentieri Selvaggi, 31 agosto 2023:

'Un fantasy indiano spettacolare e potentissimo. Con venature politiche non trascurabili. Il fantasy di Tsui Hark e l’iconografia avventurosa di Spielberg possono compenetrarsi in una forma a parte, che contiene quella tensione al polimorfismo e alla poligamia che solo la cultura indiana può raccontarci. E questa pozione magica ha per titolo Tumbbad, poderosa e colossale (nei risultati e nei costi) opera prima (...) forse già modello per una possibile saga. (...) Favola nerissima e visivamente abbagliante, alimentata da scenografie memorabili. Sin dall’inizio dominano gli elementi: acqua, terra, fuoco, vento. Il respiro epico si sposa con la materia di uno spazio-set organico, in cui i confini del genere vengono abbattuti insieme ai limiti delle forme e delle sostanze. Radici, carne, sangue, cibo, erotismo. La miscela è fluida e malvagia, spettacolo panico di grande intrattenimento ma non di sola superficie. L’operazione è infatti decisamente politica nel raccontare l’India colonizzata dall’occidente, bulimicamente pseudocapitalista, contagiata dal morbo del denaro e del materialismo e perfettamente incarnata da Vinayak. Il peccato e il Male si tramandano di generazione in generazione. E chiaramente tocca ai figli, come spesso avviene in ogni esemplare racconto di formazione, spezzare la maledizione dei padri e bruciare i mostri del passato'.

- Recensione di Tumbbad, Davide Stanzione, Best Movie, 31 agosto 2023:

'Un film con un forte segno commerciale, che unisce una dimensione fantasiosa e sregolata con un tocco da cinema per ragazzi, intinto però nel sangue e sprofondato all’Inferno. (...) È chiaro fin da subito che l’avidità e le sue letali conseguenze saranno al centro di una messa in scena insieme antichissima (l’universo, gli dei, la polvere di stelle, i ventri materni delle divinità) e spaventosamente attratta dalle sirene della modernità, dalle sue trappole inebrianti e tossiche. Non a caso Tumbbad è un film che si guarda come in apnea, galleggiando sospesi tra questi due poli. Ma con dalla sua la leggerezza di una domenica pomeriggio davanti alla tv, di un viaggio adolescenziale e mai davvero adulto. (...) Ma con un gusto macabro davvero estremo, che non si risparmia di capitolo in capitolo, arrivando alle soglie del martirio truculento. Tra paesaggi che piombano a schiaffo dentro le immagini e un gusto esoterico che non rinnega le derive più splatter, a tutto vantaggio dello stupore dello spettatore, che non può non rimanere spiazzato al cospetto di un oggetto così originale e pieno di invenzioni, ancorato tanto a una solida e magica identità di genere quanto alle difficoltà dell’India e dei suoi strascichi post-coloniali, autentico convitato di pietra del film'.

- Recensione di Tumbbad, Davide Di Giorgio, Duels, 31 agosto 2018:

'C’è tanto sapore di cinema e folklore indiano in Tumbbad, anche se le parti rimandano spesso a un immaginario occidentale: merito della sua capacità di mescolare i generi con divertimento, attraverso una storia che pure è divisa fra il piano materiale e quello ideale. (...) Il lavoro dei due registi (...) è volto proprio a esplorare le possibilità visionarie del fantasy senza compromessi. Così, sin dal prologo con il protagonista bambino alle prese con la nonna, posseduta dal Dio/Demone, si assapora il gusto ludico delle classiche avventure di pirati, il piglio ipertrofico del cinema spettacolare bollywoodiano e un senso del mistero che è pura materia da horror anni Ottanta. Un pastiche tra Salgari, i Goonies e le derive carnografiche di un Sam Raimi o un Cronenberg prima maniera, volendolo sintetizzare in poche battute: compito peraltro non facile perché quando pensi di averlo ingabbiato nello schema perfetto, Tumbbad devia, rilancia e cambia scenari, spostandosi ancora avanti nel tempo e intrecciando anche il suo percorso con i cambiamenti interni alla Storia dell’India. La capacità dei due registi sta tutta quindi nel modo in cui riescono a puntellare i difetti con i pregi, alternando intenzioni più alte a pratiche squisitamente “basse”. (...) Il gusto per l’avventura si rispecchia in una parabola sulla forza ossessiva dell’avidità, che il film snocciolerà attraverso un confronto trans-generazionale. (...) In mezzo c’è il piacere visivo di un’opera felicemente tattile, vischiosa, che non a caso procede con un ripiegamento sempre più interno, dal mondo di fuori flagellato da piogge costanti e che costringe i protagonisti a muoversi tra terreni fangosi e interni in perenne penombra, fino alla letterale discesa agli inferni. La caccia al tesoro di Hastar è infatti quella che più accende il film, attraverso l’immersione in una caverna-stomaco che riprende il tema del ventre divino in cui giocare la partita. L’inquadratura si satura per i rossi degli apparati intestinali e il sangue che ricopre il Dio/Demone, e gli effetti digitali si sommano alle frattaglie in gomma e i materiali per gli specialisti degli effetti: comunque sia, principio e fine del bisogno che si tramuta in avidità, in perenne occasione di confronto con i propri desideri. Come in una favola de Le mille e una notte, insomma, con un gusto più coreografico e viscerale, egualmente seria ma non priva di un certo approccio divertito, nonostante le possibili derive tragiche che i presupposti possono facilmente anticipare. (...) Tumbbad incuriosisce alla prova del pubblico, destinato ad amarne la sfrontatezza o a rifiutarne la peculiarità con cui dribbla gli schemi predefiniti'. 

- “Tumbbad”: intervista con registi e protagonista, Gabriele Ottaviani, Convenzionali, 31 agosto 2018:

'Il vostro è un film legato anche molto al concetto della memoria e della famiglia: quale pensate sia la loro importanza oggi?

Fondamentale: nella cultura indiana per esempio l’importanza che si dà alla vicinanza anche fisica tra i componenti dello stesso nucleo familiare, tra genitori e figli e non solo, è chiarissima, molto più forte che altrove, ma gli argomenti sono tutti collegati, nessuno predomina sull’altro, perché la realtà è complessa e ognuna è fatta a suo modo. Ogni cultura ha le sue caratteristiche, e certamente uno stesso argomento in Giappone o in un altro posto del mondo verrà trattato in modo diverso. Nel film c’è l’aspetto della religione, con cui tutti, credendo o non credendo, si relazionano, e della malvagità che esiste anche nel divino, c’è l’aspetto mitologico, c’è il fatto che l’India, che fino al 1947 è stata una colonia, è una nazione che adesso sta vivendo delle tensioni, delle bramosie di accumulo che fanno pensare proprio alle fasi immediatamente successive all’indipendenza, e molto altro. (...)

Sohum, qual è stato l’aspetto più interessante di interpretare il personaggio di Vinayak?

La sua contraddittorietà: sembra che non abbia a cuore nulla e nessuno, ma in realtà ha una sua dimensione umana molto precisa'.

- Video: intervista concessa da Ivan Ayr, da Saloni Batra e dalla produttrice Kimsi Singh a Fred Film Radio, 4 ottobre 2018.

- Recensione di Tumbbad di Gabriele Niola, Wired Italia, 6 agosto 2020:

'Tumbbad è un gioiello di horror folk. (...) Una storia che pesca dalle strutture delle fiabe tradizionali e dei miti fondativi e religiosi, ma piega tutto per raccontare una storia di cupidigia, sesso e avidità con un’inventiva e un coinvolgimento straordinari. Girato lungo 6 anni, iniziato e poi mollato, poi di nuovo ricominciato da capo perché tutto il girato fino a quel momento non era soddisfacente, Tumbbad è l’impresa di una vita, una sceneggiatura scelta e poi scartata da 7 produttori diversi che alla fine è diventata un film girato nella stagione dei monsoni, in cui piove sempre e ovunque, pure nelle case dei ricchi e in cui un bambino che poi diventa uomo affronta demoni e mostri con un obiettivo e una determinazione che conquistano. La ragione di tutta questa fatica è che per l’India Tumbbad è un film fuori da ogni canone. Non è una sagra di balli e canti come i più popolari, né un film d’autore come quelli che girano i festival, è innamorato del cinema occidentale, per ritmo e immagini, ma radicatissimo nelle mitologie locali e nei valori (...) indiani. (...) Tumbbad vive di una creatività esplosiva in cui l’orrore è coloratissimo e non per forza solo nero, in cui le architetture cittadine e di antichi templi sono piegate e trasformate dalla colonna sonora e dalla fotografia in qualcosa di mostruose, in un letterale ventre che coltiva mostri. (...) Per feticisti di tutti i significati del film va spiegato anche che i tre capitoli in cui è diviso Tumbbad sono anche un piccolo viaggio in quel che è successo all’India in questi anni. A noi dice poco ma è una forma di commento ai cambiamenti intervenuti nel paese e, a prescindere da quel che si conosce, è curioso lo sguardo critico sulla fame, il cambio di costumi e il contrasto che i tre registi del film (altra caratteristica stranissima) vedono nel loro paese'.

Da destra: Saloni Batra, Ivan Ayr e la produttrice Kimsi Singh